España 2000. 35 mm. Color. 92 min. Director: Javier Corcuera. Guión: Javier Corcuera, León de Aranda, Elías Querejeta. Producción: Elías Querejeta. Fotografía: Jordi Abusada. Montaje: Iván Fernández, Nacho Ruiz-Capillas. Intérpretes: Niño picapedrero: Guinder Rodríguez, Exiliado Kurdo: Mehdi Zana, Condenado a muerte: Thomas Miller-El.

    La espalda del mundo muestra la realidad que no vemos o no queremos ver, la vida de los que sufren diferentes formas de marginación, exclusión e injusticia. El espectador contempla tres historias que no son ficción, pues –como dice Jordi Abusada- la película no se acaba cuando finaliza la proyección. Aunque se presenta como cine documental, no es la suma de tres reportajes que se limite a mostrar las crudas realidades arrinconadas en el cuarto trastero o la basura del patio de atrás del mundo. Es una obra unitaria, coherente y estructurada. Para empezar, los títulos de las tres historias expresan lo contrario de lo que significan. El niño relata una vida sin niñez. La palabra es lo que no posee el pueblo kurdo silenciado por la dictadura turca. La vida es lo que se niega a los condenados a muerte en EEUU. Las tres historias son resultado de un elaborado guión y de un montaje esmerado. La agilidad y el ritmo narrativo de cada una pone de manifiesto diferentes técnicas narrativas.

      El niño –una voz infantil y un discurso adulto- conduce una historia lineal que comienza al amanecer en su chabola de Carabayllo, cerca de Lima, y finaliza en las piedras durísimas de las canteras. Su vida es símbolo de la de todos los niños explotados y condenados a no tener futuro. Lo que percibe el espectador es una vida llena de obscuridad y niebla que se confunde -milagro de la fotografía- con el polvo gris de la piedra y lo desolado y yermo del paisaje. Su viaje a la ciudad, llena de otros niños abandonados a su suerte, y su mirada hacia las cosas es mucho más inocente que la del guionista y la del fotógrafo. Mehdi Zana, en cambio, desde su frío presente de exiliado  en Estocolmo sobrevive gracias a sus recuerdos. Por eso su historia se construye a base de saltos retrospectivos que contienen todo lo que ha perdido: los olores de las comidas, el color del paisaje de Kurddistán, el rumor de las calles y mercados y los abrazos de amigos y familia. La tercera historia es, aparentemente, la más objetiva pues se presenta el tema de la pena de muerte en EEUU mediante tres voces que son tres puntos de vista: la del condenado Thomas Mille-El, patética, cínica, desgarradora; la de los familiares mexicanos de otro condenado, llena de dolor e impotencia; y la de los funcionarios de la prisión tejana, fría, distante y eficazmente burocrática. Con todos los relatos el espectador se conmueve, se irrita y se cabrea. O sea, se implica. Los 92 minutos pasan rápidamente. Las luces se encienden y la sensación que nos queda la expresa con exactitud J. Abusada: “… la película seguirá sin nuestras miradas”. Gracias, Querejeta, por tu cine comprometido, independiente, bello y verdadero. Gloria Benito Gómez.

COLGADOS EN LOS ANGELES

Colgados en Los Angeles (L.A. Without a Map) – Nacionalidad: Inglaterra-Francia-Finlandia, 1998. Dirección: Mika Kaurismaki. Guión: Richard Rayner, Mika Kaurismaki. Argumento: Richard Rayner (novela). Intérpretes: David Tennant, Vinessa Shaw, Vincent Gallo, Julie Delpy, Johnny Depp, Cameron Bancroft, James Le Gros, Leningrad Cowboys.

Richard (interpretado por David Tennant) es un joven escocés afincado en Bradford y dueño de un negocio de pompas fúnebres. Ama el cine de Hollywood y aspira a ser escritor. Sin embargo, su vida tranquila, mejor dicho, rutinaria y carente de emoción, dará un vuelco dramático al conocer a una actriz de Los Angeles (Barbara, interpretada por Vinessa Shaw) durante un funeral: lo deja todo para seguirla, convencido de que se trata del amor de su vida.

En clave de comedia, Kaurismaki nos presenta a unos personajes corrientes que se ven arrastrados por los códigos de una sociedad esquizofrénica: Hollywood. Las situaciones a las que se enfrentan los protagonistas son divertidas, por lo menos en apariencia, porque la línea que separa la comedia de la tragedia es muy débil y las implicaciones, pese a lo absurdo, son serias. El director no juzga: observa para ofrecernos un retrato sincero de unas personas que intentan sobrevivir en un ambiente tan surrealista como enrarecido.

Se plantea de manera sencilla una historia de amor y el flechazo que sufre el protagonista servirá de catalizador para el desarrollo y la propulsión de la acción. El relato alcanza unas dimensiones verdaderamente humanas y universales gracias a una narración nada pretenciosa y una magnifica labor por parte de todos los actores, aunque destacaría de manera especial el trabajo de Vincent Gallo.

Por otra parte, llama la atención una sólida construcción visual en la que la luz y el color se convierten en herramientas indispensables a la hora de narrar. Un ejemplo evidente es la utilización del contraste entre la melancólica luz de la ciudad industrial del norte de Inglaterra y la avasalladora luminosidad californiana.

Yeah, bro... cool movie, bro. Elisa Mª Martínez.

La viuda de San Pedro

Nacionalidad: Francia-Canadá,1999. Dirección: Patrice Leconte. Intérpretes: Juliette Binoche, Daniel Auteuil, Emir Kusturica. Género: Drama.

             De nuevo estamos ante un Patrice Leconte en estado de gracia pues esta película, que tan fácilmente podría haber derivado hacia el melodrama, mantiene el relato y a sus protagonistas con pulso firme rodeados de todos los abismos y sin caer en ninguno de ellos. En parte se debe el acierto del magnífico guión de Claude Faraldo. Como en todos los buenos films hay un espesor, un lado oscuro de los personajes, que está más allá de lo que dicen y se expresa en sus miradas, en sus gestos, en lo que hacen; así cuando el capitán (Auteuil) se retira a veces con ese caballo negro a los acantilados lo empuja el viento negro de la duda y el agua que rompe contra las rocas abajo no es sino símbolo de la propia tempestad; también nos remite a la soledad de un hombre, de cualquier hombre, que vive su vida en la realidad, es decir, que no se desvía en sus actos de su discurso. Esta manera de ejercer la auténtica libertad lo convierte en un solitario y en un ser vulnerable y al mismo tiempo fuerte. Porque esta película, no nos engañemos, de lo que nos habla es de la dificultad de ser, del riesgo de vivir en libertad, porque vivir en libertad es enfrentar a los demás con la cobardía, poner en evidencia el fundamento de las relaciones sociales: la hipocresía. De ahí van a derivar todos los males del capitán, su mujer (Binoche) y el preso (Kusturica).

            Todo tiene lugar a mediados del siglo XIX en una de las islas francesas de Saint Pierre frente a Terranova. Un marinero borracho que acaba de cometer un brutal asesinato es conducido a la prisión, situada en el cuartel donde se encuentra la vivienda del capitán de la guarnición. Mientras no acaba de llegar la guillotina, instrumento con el que deben ser ajusticiados los condenados en la República Francesa, la mujer del capitán comenzará a tratar al preso como una persona, dejándole un régimen de semilibertad y confiando en él. Esta manera de obrar, más el hecho de la ausencia de la pareja en los actos sociales, levanta sospechas y envidias entre la clase culta y burguesa de la población. Cuando llega la guillotina, al hombre que se va a ajusticiar no es ya el mismo que cometió el asesinato. ¿Qué hacer, cumplir con el reglamento o con la justicia? ¿Es interpretable la ley? ¿Puede servir la ley como una coartada contra los progresistas? La pena de muerte anula cualquier creencia en el hombre y en el progreso. La negación de la vida nos habla del miedo de la sociedad que la instaura. Y el miedo a la libertad con la que esta pareja vive su amor está en la base del desencadenamiento de la historia, basada en un hecho real.

            La historia de amor, ese triángulo tan especial donde se cruzan  los diferentes matices y sentimientos, tiene su vértice en la valentía de la protagonista que está dispuesta a correr peligros y en la comprensión del marido que la admira precisamente por ese ser libre, por ese no medir los riesgos sociales que se derivan de sus acciones, pero que no dañan el amor profundo de la pareja.

            Magistral interpretación de los protagonistas, ritmo perfecto del tiempo narrativo, de la ambientación y del encuadre.  Daniel Arenas.

GRACELAND

Graceland (Finding Graceland) – Nacionalidad: USA, 1998. Dirección: David Winkler. Guión: Jason Horwitch. Argumento: Jason Horwitch, David Winkler. Intérpretes: Harvey Keitel, Johnathon Schaech, Bridget Fonda, Gretchen Mol, David Stewart, Susan Traylor.

Un joven (Byron Gruman, interpretado por Johnathon Schaech), abrumado por la muerte de su mujer, conduce su antiguo Cadillac por Tennessee y recoge a un excéntrico autoestopista (interpretado por Harvey Keitel) que se dirige a Memphis y dice llamarse Elvis.

Confieso que soy mitómana y que la tentación de un posible encuentro con mi ídolo del rock y, además, de la mano de uno de mis actores favoritos, fue irresistible. Estaba dispuesta a ver cualquier cosa. Sin embargo, este primer largometraje de David Winkler me sorprendió de verdad. La historia se va desarrollando poco a poco, como quien no quiere la cosa, pese a las imperfecciones en la narración. Su encanto va transportando al espectador en un maravilloso viaje iniciático.  Es una fábula que no tiene miedo a enfrentarse a unos temas nada fáciles de tratar. Destacaría a este respecto el tratamiento tan digno e interesante (sin merengue ni moralina), que reciben la amistad y la compasión.

Los momentos auténticamente estelares, y que por si solos justificarían entrar en el cine, son, sin duda las interpretaciones que hacen Bridget Fonda y Harvey Keitel de sus personajes Marilyn Monroe y Elvis Presley, respectivamente. Bridget posiblemente sería la última actriz en la que pensaríamos en un juego de asociaciones para que hiciese de Marilyn, pero: ¡pasen y vean! Canta y baila como la mismísima. Y de Harvey ¡ay! Siempre pone el listón muy alto, y yo no esperaba menos, pero la escena en que debe hacer de Elvis sobre el escenario es verdaderamente, increíblemente GENIAL.

Long distance information, give me Memphis, Tennessee... Elisa Mª Martínez.