A CANTAR TOCAN
Por Adolfo Bellido
La
verdad es que nunca he sido un entusiasta de las películas de animación.
Siempre me han terminado cansando. Recuerdo la dificultad que tenía de ver
seguidos varios cortos de animación, y eso que era lo que más me gustaba del género,
como los ofrecidos (en bloques de unos diez) en aquellos festivales de hace años
en los se encadenaban varias aventuras disparatadas de los estupendos Tom
y Jerry, divertidos personajes creados por Hanna-Barbera, uno de los múltiples
rivales de Disney, para la M.G.M. En los cortos animados mi cansancio quizá se
debiera a la constante repetición de los modelos.
En
los largometrajes el cansancio daba paso al aburrimiento. Mucha culpa (de ello)
la tenía la constante inclusión de canciones, que, para mi, paralizaban la
historia. A lo mejor en algún sitio, aunque no sé muy bien donde, está
escrito que la mayor parte de los niños del mundo se sienten mejor en el cine
cuando hay canciones en las película que ven. No era, desde luego, mi caso. De
todas formas, no sé si ese mandato es algo inherente al cine de animación en
general o ha sido impuesto por Disney, ya que en general la mayor parte de películas
de animación están atiborradas de canciones más o menos melosas, cretinamente
edulcoradas, a tono con los colores y la narración transmitida.
En
los filmes animados de Disney, atiborrados de canciones, resultaba incongruente
que a todo bicho parlante (algo que ha ocurrido hasta hace relativamente poco
tiempo) se le negase otro visado que el de un determinado país latinoamericano.
De uno en concreto (de cuyo nombre no puedo acordarme... quizá Puerto Rico)
procedían todos los doblajes de aquellas películas. Se trataba, probablemente,
de una artimaña tendente a ahorrar dinero a las distribuidoras (cuando no eran
propiedad del propio Disney, como ahora ocurre con sus internacionales sistemas
productivos: producción y distribución corresponden a la propia multinacional)
o al contrario. Entonces, tal sistema, se habría impuesto como forma de venta más
cara al ser entregadas las películas con el doblaje incluido. Algo que además
hacia posible la utilización de una única copia para todos los países de
habla hispana. Sin duda Disney poseía un gran cerebro comercial. A lo mejor,
incluso de esa forma, la versión doblada era aprovechada en el propio mercado
norteamericano extendiendo su poder a la población hispana que allí vivía.
En
las versiones dobladas de Disney, era sorprendente escuchar hablar en un
arrastrado castellano a todo lo que aparecía (desde Blancanieves a Peter Pan,
pasando por Alicia, Cenicienta, Pinocho, Dumbo, Bambi...). Si los diálogos
resultaban así bastante sorpresivos no digamos nada de las canciones
“cuidadosamente” dobladas. Un hecho que no solamente se impondrá (insisto
en el poder de “don” dinero desde la necesidad de que el espectador que
acuda a ver estas película no sea únicamente infantil) en las producciones
animadas sino que será la norma de los seres “reales”. Sin ir más lejos
tanto Van Dyke como Julie Andrews hacen gorgoritos en sus arrebatadoras -y
melosas- canciones
con tintes latinoamericanos en cualquier película Disney.
Las
canciones en estas películas siguen actualmente dobladas, aunque ahora, eso sí,
lo sean en un correcto español (en nuestro Estado) de Castilla. Algo que me
figuro será la norma (doblarlas en el país destinatario del producto) en todos
los sitios de Latinoamérica en los que exista el doblaje. No obstante, ahora,
al igual que ocurría en otros países antes de la muerte del dictador de acá,
quien lo desee puede acudir a las grandes ciudades para poder escuchar la voz
original de las películas. En las megametrópolis existen versiones dobladas y
originales de un mismo título. Sólo allá. En las pequeñas poblaciones sólo
se estrena la versión doblada. Algo normal y de fácil entendimiento: la
capacidad receptiva para comercializar el evento.
Como
complemento a lo anterior añadamos que desde hace años la Disney (al igual que
sus rivales) utiliza la sorpresa añadida de ofertar en sus largometrajes la voz
de actores famosos. Mediante un alto emolumento “prestan” su voz a los seres
de ficción de las películas. Una forma de jugar al variado entretenimiento de
“escuchar a ese que no está”: una forma más de incrementar las amplias
ganancias.
Por
fortuna, la Disney, en los últimos tiempos, se ha visto “animada” por la
presencia, en sus estudios, de nuevos realizadores, que al no encontrarse bajo
el domino directo de Disney pueden trabajar más libremente, imponiendo nuevas
formas y visiones en el tratamiento de la animación. Por supuesto, el
descubrimiento de las técnicas de producción de imagen digital con el
ordenador, ha conseguido dar nuevas alas al género como en el caso de Lasseter
y sus curiosas (y a veces tan reaccionarias como si fueran “directas” de
Disney) películas que desde su propia productora (la Pixar) viene generando (de
Toy Story o Bichos, el curioso “remake” animado de Los siete magníficos, hasta
el muy reciente, y aún pendiente de estreno por acá, Monstruos
s.a.). Pero no solamente la originalidad, el talento o las nuevas
perspectivas que abre el dibujo se han dado en el campo de la animación digital
(aunque se apoyen en ella). Desde hace unos años el cine de animación de
Disney busca una forma de expresión novedosa, algo que, curiosamente, ya
aparece en El libro de la selva,
primera película de animación realizada después de la muerte de Disney.No sería
correcto, no obstante, decir que en tiempos de Disney no se experimentaba. El
creador de Mickey no se quedaba sólo en el caldo de sus primeras obras. Con la
batuta directora en sus manos, Disney, experimentó constantemente en el campo
de la animación: mezcla de imágenes reales con animadas, nuevas formas de
dibujo, historias novedosas... Los tres caballeros, Fantasía
o Alicia en el país de las maravillas
son filmes que, más o menos logrados, buscan otras formas de expresión en
el género. Bien es verdad que el fracaso de muchos de estos proyectos, es
decir, el contemplar que sus innovaciones resultan ruinosos, obliga a Disney a
cerrar esas vías, al menos temporalmente, hasta que otras circunstancias
permitan seguir caminando por ellas.
Durante
los años noventa en los estudios Disney se plantean una visión conductora de
unas películas novedosas aunque, muchas de ellas, finalmente terminan por
decantarse hacía la clásica temática Disney, de la que la productora no
parece desprenderse tan fácilmente: buenos y malos a conciencia, triunfo del
bien sobre el mal, final feliz ante la, lógica pero difícilmente aceptable,
eliminación de los malvados. Quizá sea una película tontorrona y edulcorada,
como el resto de los largometrajes producidos directamente por Disney, la que
ponga la nota (y el canto) para promocionar un moderado cambio estético y
narrativo. Se trata de La sirenita. Título
vital que sirve de apoyatura para emprender empresas mayores: Aladdin,
Hércules, La bella y la bestia y El
jorobado de Nôtre Dame marcan el rejuvenecimiento momentáneo de la marca
junto a las producciones digitales de Lasseter.
Voy,
brevemente, a centrarme en los dos último títulos señalados, y que son las
dos únicas películas que realizan en los 90 Gary Trousdale y Kirk Wise,
responsables igualmente de Atlantis,
la más reciente producción de la factoría. ¿Qué me interesa de estos dos títulos
tan parecidos entre sí? Sobre todo su sentido del espectáculo, su fascinación
por el musical del Hollywood clásico, la forma en que su “tempo” encadena
las imágenes consiguiendo resultados sorprendentes. La identidad temática de
ambos títulos está en la presencia de personajes deformes que enuncian una
tesis: el ser bello no tiene por qué ser bueno. Por lo mismo, un ser deforme
puede ser bueno. En resumidas cuentas, se trata en ambos casos de una escondida
adaptación de la doblez que encierran los seres humanos. No es, pues, muy
distinto el personaje de la bestia del de Quasimodo. Ambos, solitarios, suspiran
por conocer (y amar y ser amados) a alguien que rompa el hechizo y les saque del
estado en que se encuentran. El “bello” de La
bella y la bestia, por el contrario, es
un ser ególatra (como lo era la bestia antes de ser condenada al hechizo: su
verdadera y monstruosa figura será reflejada en un espejo), malvado. Pero
mientras la bestia es un ser temido por los lugareños, Quasimodo es una especie
de otro bufón, uno más, en una corte de bufones.
En
ambos títulos se encuentra el tufillo “maligno” de las obras Disney.
Personajes de una pieza, seres irracionales o inanimados que hablan con los
humanos, la terrorífica presencia del mal (en el caso del primer título el
terror, aparte de los lobos y del entorno, se comunica con la presencia del
propio protagonista), los finales felices.
Como
contrapartida existe una estructura/atmósfera gótica muy lograda. El
tenebrismo de ambos filmes en sus escenarios (el bosque, la habitación
prohibida, el castillo en La bella...,
Nôtre Dame, la casa del “juez”, el camino hacia la corte de los milagros en
El jorobado...) o en la resolución de
ciertas escenas (el ataque de los lobos en la primera, el prólogo o la
secuencia de las llamas en la segunda) le dan un carácter insólito y muy
alejado del cine para niños (máxime cuando existen proposiciones claramente
alejadas de un estructura infantil: el intento del juez por “poseer” a
Esmeralda).
Si
existen elementos de uno y otro filme perfectamente relacionados como las gárgolas
de Nôtre Dame, que ya aparecían en La bella y la bestia (cuya “vida”, incluso, puede plantearse
como una ensoñación o mentalización del propio jorobado), los utensilios (en
realidad los sirvientes hechizados) en La
bella..., las figuras creadas por Quasimodo para su gran teatro (elemento
que posibilita una unidad con el propio personaje del juez: ambos intentan
crear, adueñarse, aunque de forma distinta de la ciudad: uno podría
considerarse como el reflejo del otro)...
De
todas las maneras, lo más sorprendente de estas dos obras es su sentido del
musical, hasta el punto que pueden ser consideradas ambas como dos de los
mejores musicales de la década de los noventa. El concepto de musical se
posibilita tanto desde el propio espectáculo representado (la primera secuencia
del pueblo en La bella y la bestia o
la sensacional secuencia de la fiesta anual en París en El jorobado de Nôtre Dame), el color, el ritmo, la planificación
(el baile entre la bella y la bestia), el paso de un lugar a otro (el movimiento
de la capa del bufón, por ejemplo, en El jorobado...) y hasta el homenaje al propio género en sus
propuestas más clásicas (piénsese en el baile de los objetos -tazas,
platos...- en La bella y la bestia montado
como un ballet de Berkeley). Sin duda, en este sentido, es donde estos filmes de
Disney alcanzan su grandeza, hasta el punto de elevarse a gran altura. El
musical, parecen enunciar, a pesar de todo, sigue vivo. Los dos filmes, en su
grandeza, en su imaginaría gótica, así lo proclaman.
Aunque
sólo fuera por ello estos dos filmes serían destacables. Música y cántico -y
recitado como corresponde al musical más moderno, el que lleva al género al
abismo de su propia destrucción- se unen en un todo, compenetrándose, creando,
desde su génesis, la grandeza del musical. De esa forma, este cine, escapa al
sentido de aquellas canciones melosas que acompañaban las historias de
Cenicienta, Dumbo o Bambi... Ahora, en estos títulos al menos, parecen haber
encontrado un brillante lugar de acomodo.
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