Documenta Madrid 2013 (3): Sección Oficial Cortometrajes

  27 Julio 2013

Érase una vez… la realidad 

00-HVIEZDADieciocho documentales han competido en esta sección, por los premios del certamen, de los 19 proyectados, My neighbourhood, la coproducción palestino-israelí, una de las apuestas más sólidas del festival y más comprometida con la realidad personal, social, política y religiosa del momento, lo ha hecho fuera de concurso.

Este año, como anunciábamos en el avance, la nueva estructuración de todas las secciones y la reducción presupuestaria, ha afectado también a la de Cortometrajes, que   ha suprimido la división entre cortometrajes nacionales e internacionales, pasando todos a competir en esta última categoría.

Esta reducción ha supuesto, que entre las obras seleccionadas, pertenecientes a dieciocho países diferentes, en las que predominan las europeas (Polonia, Irlanda o Países Bajos, aportan dos y una Eslovaquia, Suiza, Suecia, Francia, Alemania y Grecia), España solo compita en coproducción con Italia con la película La strada di Raffael.

Las proyecciones se han dividido en cuatro sesiones, con dos pases cada una (uno para público, repartido en cuatro días, y otro pase para prensa y público, proyectado de forma consecutiva el sábado 11) que se han pasado en la Sala B de Cineteca, un espacio polivalente, acondicionado como cine, para la ocasión, que sólo contaba con setenta butacas. 

Sesión 1

Se abre el certamen de cortometrajes con tres dramas personales y familiares de fuerte calado emocional en las vidas de sus protagonistas, que pretenden conectar con el espectador a través de tres formas distintas de contar el dolor. A ellas pone contrapunto una propuesta documental griega de creación, muy estética y reflexiva, espejo de un país desmoronado.

DE MOEDER VAN JAN / JAN’S MOM  (La madre de Jan). Anneloor van Heemstra
Países Bajos. 2012. 16 min.

Jan vive con su abuela, hace más de un año, desde que su madre está en la cárcel por un tema de contrabando. El niño intenta llevar una vida normal, arropado por sus compañeros de colegio que no le han dado la espalda. Pero él la echa mucho de menos y le gustaría saber cómo se siente realmente, Así se lo confiesa a través de su grabadora, hasta que un día se atreve a preguntárselo a ella misma en una visita a la cárcel.

Un pedazo de vida cotidiana de una familia deshecha por un drama inesperado que obliga a sus miembros a disgregarse. Jan, el hermano mayor, se hace preguntas sin respuesta y vive su experiencia con la incertidumbre de sus doce años.

El director intercala las confesiones que hace a su madre (en primera persona) a través de la grabadora con sus vivencias diarias en la calle, con sus compañeros de clase y con su abuela. Utiliza mucho los planos medios y cortos, especialmente el primer plano buscando en el rostro del niño, el rastro de su preocupación interior y de sus emociones. En la visita a la cárcel la cámara respeta el anonimato de la madre y se centra en las reacciones del pequeño a sus palabras de consuelo.

Profundo drama infantil realizado desde el distanciamiento, que nunca logra, a pesar de sus insistentes primeros planos, conectar las emociones del niño con las del espectador.

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COOTING LOOSE. Finlay Pretsell y Adrian Mc Doal
Escocia. 2012. 29 min.

El servicio escocés de prisiones organiza cada año un concurso de peluquería en el que participan hombres y mujeres de sus distintas cárceles. La película nos ofrece un retrato colectivo en el que nos presenta a varios de esos participantes en los días previos al concurso y durante el mismo.

El cortometraje recoge las confesiones de varios presos: una mujer, condenada por asesinato (“me han condenado por asesinato y me dan un par de tijeras”), un joven poco lúcido (sujeto y objeto de abusos infantiles) o un heroinómano; personaje, este último, en el que se centra la película.

Mientras estoy aquí mantengo mi mente fuera, sólo mi cuerpo cumple condena”, nos dice este hombre, ganador en las tres ediciones anteriores del concurso y que en este último se alzó con el segundo puesto. Es un hombre joven todavía, de sólo treinta y tres años, que confiesa ha pasado la mitad de su vida en la cárcel. Padre de dos hijos, vive apesadumbrado por su pasado y con la esperanza de no recaer en la droga, rehacer su vida y recuperar el cariño de sus niños.

El espectador asiste a su salida de la cárcel, al reencuentro con su madre y la dureza que supone enfrentarse a la libertad cuando, casi, no se sabe vivir con ella.

Un cortometraje objetivo, directo, crudo y no exento de emoción, con un montaje ágil y un buen guión. 

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TITLOI TELOUS / OUT OF FRAME. Yorgos Zois.
Grecia. 2012. 11 min.

Recientemente se han prohibido en Grecia los anuncios en vallas publicitarias. Como consecuencia de esta normativa hay cientos de vallas vacías por todo el país. Ellas son las protagonistas de este corto donde sus espacios desocupados aluden a la pérdida de referencia de un país abatido.

Las vallas publicitarias vacías (algunas totalmente limpias, otras conservan aún el rastro de cientos de fragmentos de imágenes arrancadas, otras sólo su estructura metálica desnuda…) han perdido su funcionalidad anunciadora. Cuando un objeto pierde la función para la que ha sido creado pasa a convertirse en un deshecho inútil o en un ready-made.

Reflexiona el director: “Las vallas vacías sobre nuestras cabezas, no sólo son imágenes del colapso social y financiero actual, sino también, a la vez, un retrato de muestro mundo interior al descubierto. Ellas son un reflejo directo de nuestras mentes en blanco, de nuestro vacío sentimental y nuestra insensible existencia. Las vallas vacías son ahora monumentos contemporáneos”. Testigos ciegos, que aluden a un presente, del que solo quedan las ruinas del pasado.

Segundo cortometraje (lúcido, minimalista y brillante) de un joven director ateniense, cuyo primer proyecto Casus Belli (2010) fue premiado en el Festival de Venecia 2010, participando, además, en más de cincuenta festivales internacionales, donde ha conseguido muchos otros galardones. Actualmente está trabajando en su primer largo, Stage Freight cuyo guión ha sido premiado por el French Film Centre y por el Cinelink Co-production Marquet de Sarajevo IFF 2011.

Titloi Telous es un lamento silencioso, expresivo y contundente que muestra un mundo desolado, sin apenas vida, en el que un director preocupado por la situación de su país reflexiona sobre la misma desde un punto de vista simbólico, conceptual y filosófico, en un corto sin diálogos (cuando sólo queda la ruina sobran las palabras), con sonido ambiente (donde el hombre parece poco significativo) y realizado con planos fijos (de encuadres diversos), donde los marcos vacíos son ahora el mensaje y donde Grecia, según el director, está “Out of frame”.

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MEN PAPPA DÅ! / MY FATHER THE BLACKBIRD. Kristina Levin y Finn Vinter
Suecia. 2012. 29 min.

En 1999 Hakan Vinter, un padre de familia con tres hijos pequeños, se suicida en su cabaña de verano dejando una escueta nota de despedida en su bolsillo. Doce años después su hijo Finn, junto a su madre y su hermana, tratan de cerrar las heridas que aquella pérdida les dejó.

La película es un rencuentro con aquel hecho luctuoso que cada miembro de la familia ha intentado superar en solitario, a lo largo del tiempo, sin conseguirlo del todo. Una descripción de todos los tipos de dolor en el que se mezclan pena, silencios, lágrimas, vergüenza, risas y mucho cariño.

Kristina Levin y Finn Vinter son pareja desde hace diez años. La idea de hacer el corto surgió en 2010, como trabajo práctico del curso que ambos hacían sobre cine documental en la Universidad de Linköpings. Finn ya le había contado a Kristina lo ocurrido cuando se conocieron a finales de 2002, pero le costaba hablar del tema y poco a poco, pasados los años, fue consiguiendo hacerlo de forma más natural. No obstante decidirse a hacer el corto surgió de la necesidad de contar su experiencia como una manera de liberación personal y una forma de ayudar con ella a otras personas, nos confesó.

La familia, desde entonces, se había cerrado a hablar de ello, pero Finn logró convencer a su hermana (su hermano mayor se opuso) y a su madre (que lo hizo más por él que por ella misma) para, al fin, poder mantener esa conversación, tantos años aplazada, en la que afloran recuerdos, sentimientos de culpa, preguntas, sueños, terapias, dolor…  con un único testigo de su intimidad: Kristina, que rodó todo el material.

El documental es un testimonio crudo, a veces, entrañable, otras, pero tratado con mucha sensibilidad, cierto simbolismo (mirlo = padre) y un plus de creatividad donde se ha utilizado además del material rodado, antiguas grabaciones familiares de vídeo doméstico, fotografías retocadas, dibujos, animaciones (stop-motion, timelaps y 3D), etc. que crean un ritmo más fluido e insuflan a la narración un toque de ánimo.

Para ambos autores éste es su primer corto y como no son cineastas, confiesan sinceramente que cuando lo tenían terminado les parecía algo artificial, por eso necesitaron ayuda en la edición y la música para darle mayor naturalidad a la historia, y un toque más profesional. Les gustaría seguir haciendo cine, pero mientras surge un nuevo proyecto, ambos tienen otras ocupaciones.

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Sesión 2

Empieza con dos historias personales donde sus protagonistas desde realidades de vida diferentes, intentan sobrevivir cada día (a la mediocridad o a la enfermedad), empatizando con el espectador por el sentido del humor y la sencillez expositiva de su mensaje. La tercera es una historia de gran fuerza visual, un ejemplo de interacción entre la poderosa naturaleza y la vida humana. Las dos últimas propuestas tienen como telón de fondo dramas político-sociales colectivos, tratados con dos enfoques, tratamientos y resultados muy diferentes.

GWIZDEZ / THE WHISTLE. Grzegorz Zariczny
Polonia. 2012. 17 min.

Marcin tiene treinta años y es árbitro de fútbol de categorías inferiores en una pequeña localidad cerca de Cracovia. Quiere cambiar de trabajo porque está cansado del perpetuo stress al que le someten los jugadores y el público durante los partidos. Vive con su madre, que espera dé un cambio a su vida y le presiona para que lo haga. Él intenta echarse una novia y encontrar un trabajo mejor, pero no lo consigue.

La vida en los pueblos pequeños no es fácil, según nos cuenta el director que conoce personalmente a Marcin, paisano suyo y compañero de profesión durante algún tiempo, y está convencido de que mientras siga allí nunca tendrá oportunidad de prosperar.

Un cortometraje sencillo que rentabiliza los recursos del lenguaje cinematográfico de forma muy significativa, contraponiendo dos espacios, dos tratamientos y dos mensajes antagónicos, que forman la realidad del protagonista.  Uno es el espacio de la intimidad, la casa donde convive con la madre, un espacio de convivencia, de cálida luminosidad dominada por los planos medios y cortos, donde se habla con sinceridad. El otro es el espacio exterior, el lugar de trabajo, el terreno de juego, ese lugar de tensiones, más frío y distante, donde se siente cuestionado y poco respetado y donde dominan los planos de mayor escalaridad.

En definitiva, una reflexión ágil, lúcida y muy efectiva realizada con un gran sentido del humor sobre la lucha del individuo contra unas circunstancias, que no siempre es posible cambiar.

Grzegorz Zariczny está graduado en cine y televisión y acabó un curso de documental en la Escuela de Dirección Andrej Wajda. Hasta la fecha ha realizado tres cortos y un largometraje documental, Marisina Polana (2010), también muy reconocido.

Gwizdek (The whistler), su último corto, en que como en sus demás producciones, ha escrito también el guión, ha obtenido el  Premio del Jurado al mejor cortometraje en el festival de Sundance 2013, además del Primer premio en el festival T-Mobile New Horizont y Young & Cinema Festival Film Debuts, en Polonia 2012; 1mm Shortkicks, Iternacional Film Football Festival de Berlín 2013, y ahora en Documenta Madrid 2013.

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FLO. Riley Hooper.
EE.UU. 2012. 10 min.

Con un estilo desenfadado y un ingenioso sentido del humor, la fotógrafa Flo Fox ha estado documentando las ciudad de Nueva York (sus calles, sus edificios, sus gentes…) desde los años 70. Ahora a sus sesenta años, lidiando con la Esclerosis Múltiple, un cáncer de pulmón, totalmente ciega de un ojo y parcialmente del otro, sigue manteniendo viva su pasión por la fotografía con un espíritu positivo y alegre.

Narrado en primera persona, Flo nos cuenta, en el corto, cómo, cuando era una joven y guapa fotógrafa, utilizaba su atractivo para conseguir sus objetivos, y cómo actualmente, utiliza su discapacidad para seguir haciéndolo. Desde su silla de ruedas automática se desplaza por toda la ciudad consiguiendo que otros disparen por ella, según sus indicaciones (de cada diez fotografías, sólo una sale como a ella le gusta, dice divertida).

Desinhibida y desenvuelta, Flo sigue plantando cara a la enfermedad con un talante enérgico y vitalista: “Lo más importante es seguir adelante”, dice. Y así es como nos la muestra la película, en parte de su metraje, con un primer plano fijo de su rostro mientras está en movimiento, a bordo de su silla, buscando encuadres interesantes.

El corto profundiza en el pasado de la artista y nos deja vislumbrar cómo es su presente, intercalando entre sus confesiones y fragmentos de su vida diaria, muchas de las fotografías que ha realizado a lo largo de su carrera, incluyendo su atrevida antología “Pollalogía”, una curiosa colección en la que el órgano genital masculino es el protagonista.

Un corto de autor, fresco, directo, sencillo y divertido, donde todas las funciones, producción, guión, edición, cámara y sonido, son asumidas por la directora, muy interesada en contar historias de contenido humano. Alterna su trabajo como jefa de contenidos de Vimeo con sus proyectos como cineasta independiente.

El documental ha recorrido varios festivales y ha ganado el Premio del Jurado en el DOC NYC 2012 y del Premio al mejor cortometraje documental del LES Film Festival 2012.

07-KYRKOARDSO

KYRKOÅRDSÖ. Joakim Chardonnens
Suiza. 2012. 23 min.

Desde una isla, Kyrkoardsö, en medio del Mar Báltico, un par de niños cruzan cada día el mar helado para ir a la escuela.

Pura e intensa poesía visual filmada, sin apenas diálogos (no traducidos intencionadamente por su trivialidad), este documental da poca importancia a las palabras frente a la inmensidad de las imágenes que muestra. Un paisaje tan hostil como bellísimo que demuestra la insignificancia del hombre frente a la poderosa Naturaleza. Montañas, calles, paisajes nevados…, pero sobre todo el mar helado que cada día un barco tiene que horadar para conseguir que la vida cotidiana sea una realidad para los habitantes de Kyrkoardsö.

KHATERATE ENGHELABE BAHMAN ASHEGHE LEILA / REVOLUTIONARY MEMORIES OF BAHMAN WHO LOVED LEILA. Farahnaz Sharifi
Irán. 2012. 15 min.

Teherán 1978. Bahman, un joven sin inquietudes políticas se enamora de Leila, hermana de su amigo Masoud. Éste muere y Bahman, para no perder la pista de su amada, se replantea su implicación política. El destino le irá conduciendo por unas circunstancias concretas que cambiarán para siempre la historia de su país y la de su vida.

Una historia de amor platónico, truncada por una revolución, es el punto de partida de este magnífico guión, narrado en primera persona, que mantiene el interés del espectador por la intensidad expresiva de su mensaje, un montaje muy efectivo y la fuerza de la música como elemento aglutinador. Tres elementos (narración, montaje y música) que crean un ritmo casi frenético al que es imposible sustraerse.

Documento híbrido, entre realidad y ficción, construido con recursos sencillos pero rentabilizados de forma muy impactante con predominio de fotografías en blanco y negro, parcialmente coloreadas, intercalando algunas filmaciones de archivo de las revueltas callejeras que desembocaron en la revolución, forzando el grano de las imágenes, utilizando el rojo como efecto llamada… y una sola foto en color en medio de tanta oscuridad. Una historia de fondo y forma expresionista que se llevó consigo aquel amor de juventud y muchas otras ilusiones.

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QUAND PASSE LE TRAIN / Here comes the train. Jérémie Reichenbach
Francia. 2012. 30 min.

Un grupo de mujeres mexicanas ayuda cada día, desde hace quince años, a los refugiados que huyen de polizones en trenes de mercancías, desde distintos países de América Central hacia los Estados Unidos, en busca de un futuro mejor.

La historia le llegó al director, según nos cuenta, a través de terceros que le hablaron de la tarea de estas mujeres, y sin pensarlo mucho, se marchó a La Patrona (México) a conocerlas. Empezó hablando con ellas durante varios días, para familiarizarse con sus actividades y motivaciones antes de empezar a grabar. Diez días de rodaje fueron suficientes, afirma, para captar la esencia de su misión, en la que el día a día es muy similar.

Sin adornos, ni aditamentos, el documental nos muestra cómo es una jornada cotidiana en la vida de estas mujeres (solteras, viudas, casadas), en la que además de atender sus quehaceres personales, aún les queda tiempo para rezar (son muy católicas, pero el director no quiso incidir en este aspecto para no condicionar el punto de vista del espectador), ir al mercado a recoger la comida que les donan, preparar las bolsas y estar siempre alertas para, cuando oyen silbar a los trenes, apostarse junto a las vías.

Día y noche, siempre están allí, inasibles al desaliento, entregando las bolsas de comida, con los trenes en marcha, a los cientos de hombres y mujeres que viajan en ellos y que desesperados alargan sus brazos para recogerlas.

Un documento naturalista, sin voz en off (recurso que no es del gusto del director) en el que las imágenes, a veces borrosas, movidas (rodadas cámara en mano) son testimonio de la urgencia, la prisa y el punto de vista subjetivo con que estas mujeres viven esta situación tan especial.

La cámara se convierte así en testigo y parte de su dedicación, esfuerzo y satisfacción por la tarea cumplida, un ejemplo de generosidad y solidaridad, que están dispuestas a continuar mientras haya trenes, cargados de esperanza o desesperación, que sigan pasando ante ellas.

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Sesión 3

Forman esta sesión cinco cortometrajes, de diferentes temáticas y perspectivas, pero todas con el ser humano (ancianos, jóvenes o niños) en el punto de mira, desde la pulcra producción cubana, hasta la experimental creación alemana, pasando por una vitalista y optimista docu-animación irlandesa, la divertida producción eslovaca o la sensible historia de un niño que se debate entre el mundo silente y el sonoro.

MADERA / WOOD. Daniel Kvitko
Cuba. 2012. 25 min.

Documental de tesis realizado como trabajo de licenciatura por el realizador argentino Daniel Kvitko en la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de Los Baños en 2012.

Ambientado en Cuba, narra la historia de Abelardo, un excombatiente del ejército cubano rebelde que vive en el monte y ha pasado gran parte de su vida cuidando de un bosque, cercano a su casa, al que nadie más presta atención. Él ha plantado muchos de los árboles que allí crecen y considera este bosque su legado. Actualmente ocupa su tiempo en seguir cuidando de sus árboles y en escribir sus memorias. Le acompaña su esposa Marbelia, también octogenaria, que tiene la esperanza de llegar a cumplir los ciento veinte años junto a su marido.

Ambos ancianos, aunque viven en el monte, están pendientes de la actualidad, a través de la televisión y de los periódicos están al tanto de los últimos descubrimientos del genoma humano, de las huelgas en España, etc.

Su forma de vida es una elección. Abelardo cree que él ya ha cumplido su misión en la tierra (manteniendo vivo su bosque, sin importarle lo que ocurra cuando él ya no esté) y considera que cada hombre debería tener una misión asignada que cumplir antes de morir. Él no tiene miedo a la muerte pero no quiere abandonar el monte porque dice no saber vivir en la ciudad. En el monte se siente libre.

Un documento de impecable factura técnica, donde hombre y naturaleza conviven en armonía entregándose cada uno lo mejor de sí mismo. Los planos largos y fijos muestran la inmensidad del paisaje natural, con encuadres, mantenidos en el tiempo, hasta que el espectador los agota. Frente a ellos los planos medios que reflejan la vida cotidiana de la pareja, o cortos, algunos bellísimos como los que se centran en la manos venosas de Abelardo garabateando, titubeantes, con un lápiz de carpintero, sobre cuartillas de papel, o los que muestran la huella del paso del tiempo en los rostros arrugados de estos vitalistas ancianos, que han encontrado en la soledad del bosque una fuente de vida.

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TWO WHEELS GOOD. Barry Gene Murphy
Irlanda. 2012. 9 min.

Propuesta de docu-animación que es un homenaje a la utilización de la bicicleta y a todos aquellos usuarios veteranos que hicieron de ella su medio de transporte favorito y un vehículo de libertad.

Cortometraje inspirado en una experiencia personal del realizador que solía encontrarse, a menudo, con un anciano desconocido al que veía circular siempre en bicicleta. Se acostumbró a su presencia, y cuando un día dejó de verlo pasar pensó que ahí había una historia.

El corto compone una especie de cuento visual, combinando imagen real (confesiones que cuatro veteranos devotos defensores, de este ecológico medio, cuentan subidos en sus bicicletas) y animaciones en flash-back (recuerdos de las sensaciones que su uso ha aportado a sus vidas: inspiración, libertad, recuerdos infantiles, un lugar para soñar o de comunión con la naturaleza) en una sencilla, vitalista y estética propuesta nada pretenciosa y con un encanto atemporal.

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HVIEZDA / THE STAR. Andrej Kolenčik
Eslovaquia. 2012. 20 min.

Jan Slovak es un soldador de 55 años que siente pasión por la profesión de actor. Su deseo comenzó cuando fue seleccionado para protagonizar la versión teatral de la peor película de la historia, Plan 9 del Espacio Exterior, de Ed Wood Jr. Esta pasión se convertirá en su destino.

Andrej Kolenčik es director de cine y artista visual, graduado en la Academia de Música y Arte Dramático de Bratislava. En la actualidad está trabajando como cineasta independiente en cortos de ficción, animación y videoclips. Hviezda es su primer documental.

Un cortometraje sobre la pasión de un hombre mediocre, de vida desajustada (ha sido despedido ocho veces de diferentes trabajos, con problemas familiares…) que nos relata con auténtico orgullo cómo se inició en el mundo de la interpretación hasta desembocar en el papel más importante de su vida. Una producción tan kitsch como su propia vida.

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GELUIDEN VOOR MAZIN / SOUNDS OF MAZIN. Ingrid Kamerling
Países Bajos. 2012. 19 min.

Mazin es un niño sudanés de doce años, nacido en Holanda. Sordo de nacimiento, va a someterse a una delicada operación que puede devolverle el oído. Él está esperanzado, pero no dejan de asaltarle las dudas sobre si será capaz de adaptarse a su nueva situación o terminará desquiciado.

Una amiga suya, también sorda, a la cual la operación le salió mal, hace de abogada del diablo, intentando convencerle de que no se someta al suplicio que puede acarrearle que las cosas no salgan bien. Aunque su verdadero temor es perder su amistad y quedarse aislada al otro lado cuando él forme parte del mundo de los oyentes. Esta ruptura imaginada por la niña es una de las representaciones más expresivas y desgarradoras de la película, representada de forma simbólica por una barrera que deja a cada uno a un lado y a la niña perdiéndose a cámara lenta entre un oscuro bosque ajena a la llamada de su amigo.

Primer cortometraje de Ingrid Kamerling, que antes de cineasta trabajó durante más de diez años con un grupo de teatro para niños sordos. Sensibilizada con la realidad de estos niños, conoció entonces las posibilidades que ofrecía esta delicada operación a la que algunos de ellos se planteaban someterse para recuperar la audición. Este es el punto de partida de esta película en la que la elección del niño protagonista fue una cuestión de suerte. Le avisaron del hospital de Amsterdam de que había un niño de 12 años al que iban a practicarle la operación, ella acudió a conocer al paciente y Mazin y su familia aceptaron protagonizar el corto.

Kamerling realizó una copiosa tarea de documentación antes de hacer el documental. No es un tipo de operación muy habitual, lo ideal para obtener buenos resultados, según le informó el neurólogo Oliver Sachs es acometerla antes de que los niños cumplan los dos años, todo lo que se retrase esa edad es un riesgo.

Ganadora del Premio Mediafonds  Kids & Docs en el IDFA (International Documentary Film Festival Amsterdam) 2012, la película demuestra una especial sutileza y sensibilidad hacia esta discapacidad, basando gran parte de su diseño sonoro en las conversaciones con Mazin y con el médico, que la orientaron en cómo debía imitar los sonidos, tal como los oía el niño, para reproducirlos de la forma más fidedigna posible.

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STERBEN NICHT VORGESEHEN / DYING NOT PLANNED FOR. Matthias Stoll
Alemania. 2012. 25 min.

Un hijo se despide de su padre muerto a través de este documento, lleno de amor y humor, que da voz a ambos, a través de fragmentos de la vida compartida por ellos y de los recuerdos y reflexiones que el hijo le dedica.

Después de que tú murieras, yo, algunas veces, observaba a los ancianos por la calle, la forma en la que ellos pasaban el tiempo, vagando sin prisa de un lado a otro. ¿Estabas preocupado por esta soledad? ¿Estabas preocupado por sentirte solo? Ahora yo imagino que, quizás, estás solo contigo mismo”.

Morir sin planearlo es posiblemente el documental más experimental, conceptual y creativo, a todos los niveles, exhibido en esta sección. El discurso narrativo es original, un lamento y una reflexión que alterna la narración en primera persona de los dos personajes en liza (dando voz primero al hijo vivo, después al padre muerto, y finaliza de nuevo el hijo), intercalando en el discurso materiales de diversas procedencias ( filmaciones actuales con fotografías en B/N y color, vídeos domésticos, cartas, spots publicitarios, animaciones, epístolas, esquemas de ordenador, dibujos de planos arquitectónicos, etc.) y creando una planificación inquieta (travellings laterales a toda velocidad, planos subjetivos por las calles de la ciudad…), divergente, confusa…todo en beneficio de una narración de aturdidas sensaciones y emociones inesperadas que el montaje no lineal se encarga de enfatizar.

Tu habías construido y asegurado las cosas que necesitabas para tus últimos años de vida que finalmente no pudiste disfrutar. ¿Qué queda, pues? Unos pocos recuerdos y un sentimiento que tú y yo hemos compartido

Un discurso audiovisual que mitiga la melancolía, el sentimiento de vacío que deja la pérdida inesperada de un ser querido, del que sólo quedan recuerdos, no demasiado cercanos, de un pasado compartido.

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Sesión 4

Esta sesión abrió con un documental sobrecogedor, no tanto por el tema tratado, sino por la forma y el enfoque adoptado. Se trata de la producción palestino-israelí, My neighbourhood, proyectado fuera de competición, sin duda, el más intenso y comprometido de todo el festival por la objetividad, profesionalidad, profundidad, sensibilidad… que sin aviso previo da un aldabonazo a las conciencias de todos los que aún creen en la paz, la reconciliación de los contrarios, la bondad humana, la justicia… y la capacidad del cine para contarlo.

El resto de propuestas de esta última sesión fueron una producción china, sorprendente por su absurda y surrealista situación; un juego de objetos animados, más profundo de lo que aparenta; un estupendo drama neorrealista muy actual, centrado en la infancia; y una experiencia tragi-cómica en un curioso campamento de verano para niños obesos.

MY NEIGHBOURHOOD. Julia Bacha y Rebekah Wingert-Jabi
Israel/Palestina/EE.UU. 2012. 25 min.

Mohammed El Kurd es un niño palestino que ha nacido y crecido en el barrio de Sheikh Jarrah en el corazón del Este de Jerusalén. Cuando cumple 11 años su familia es forzada a ceder parte de su vivienda a ocupantes israelíes, que por la fuerza, han iniciado una campaña de desalojo de la población árabe, para recuperar el control judío de la zona.

La familia de Mohammed y muchas otras familias afectadas inician una serie de protestas pacíficas contra los colonizadores, determinados a no perder sus hogares. Su sorpresa es grande cuando reciben la inesperada cooperación de ciudadanos israelíes que no están de acuerdo con esa injusticia. Entre ellos están dos jóvenes hermanos, de buena posición social, residentes en la zona Oeste de Jerusalén,  Zvi y Sara Benninga, que se ofrecen para liderar junto a ellos una causa que consideran justa.

La película es la historia de esta lucha -que ya dura varios años, y de la labor que este movimiento de resistencia ha logrado, ralentizando las ocupaciones, en este barrio (que no obstante, siguen extendiéndose en otros barrios de la zona Este)-, desde la mirada de un niño que va creciendo, opinando y participando de una realidad que le afecta y que ahora desde la mayoría de edad sigue apostando por la vía pacifista como única alternativa para recuperar su hogar.

Rebekah conoció a Mohammeh en 2008, cuando tenía doce años. El niño se acercó a ella mientras grababa en su barrio, y ambos empatizaron al momento. A partir de su trato surgió la idea de hacer el documental, contando la historia a partir de su experiencia personal y la de su familia.

Por eso, el documental incide en las reacciones de Mohammed, ante la inestable situación que está viviendo, su desconfianza inicial en la sinceridad de los cooperantes israelíes y su relación posterior con ellos, su implicación y su creencia en que el pacifismo es la solución. A lo que se suman las reflexiones de su familia y otros residentes desalojados, las posiciones de los ocupacionistas israelíes y de su portavoz, las manifestaciones reivindicativas, las detenciones policiales, las declaraciones de los jóvenes activistas israelíes y de sus padres, etc.

Un documento extraordinario e imprescindible, de fuerte calado emocional y social, objetivo, reivindicativo y comprometido con la defensa de los derechos humanos, que consigue empatizar con el espectador, sin dramatismo, simplemente con la contundencia que la propia realidad tiene para imponerse.

Una historia de amistad (entre Mohammed y los hermanos Beninga), de desconfianza (la abuela Rifka no termina de creerse que la ayuda de los israelíes sea sincera), de unidad contra la injusticia, más allá de ideologías o radicalismos religiosos, de compromiso, de lucha, de esperanza… y de confianza en el otro, independientemente de su raza.

Pero también de intransigencia (Yonatan Josef, el portavoz de los ocupantes, ve la ocupación como un deber religioso, parte esencial de la cruzada “El regreso a Sión”, y cree que el desalojo de las familias palestinas es parte necesaria para conseguir hacer de Jerusalén una capital totalmente judía), la constatación de que la paz es difícil de alcanzar cuando el hombre se instala en el fanatismo y en nombre de él es capaz de justificar cualquier  atrocidad.

Julia y Rebekah son dos realizadoras con una larga trayectoria profesional en cine y televisión. Abaladas por carreras comprometidas con la defensa de los derechos humanos y la no violencia y muy conocedoras de la realidad que se vive en esta zona de conflicto.

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CHA FANG / The questioning. Zhu Rikun
China. 2013. 21 min.

“Si no lo veo no lo creo”. Este popular comentario, bien podría aplicarlo cualquier espectador después de ver este documental, rodado con cámara oculta y en tiempo real, con un plano secuencia fijo, que dura toda la película, por el propio realizador y protagonista de la situación.

El 24 de julio de 2012, Zhu Rikun junto a otros amigos, se dirigía a Xinyu en la provincia de Jiangxi, para apoyar a Liu Ping y a otros dos candidatos y activistas pro-derechos humanos. Durante el trayecto, mientras pernoctaban en un hotel la policía china irrumpió (en número desproporcionado) en su habitación para hacer un registro, pedirles la documentación y someterles a un interrogatorio sobre lo que hacían en la zona.

Lo que empieza siendo un interrogatorio aparentemente rutinario deriva en una situación tan inverosímil que llega a tal nivel de surrealismo que, en ciertos momentos puede hacer dudar al espectador de su nivel de realidad. El propio realizador colabora en forzar la situación, propiciando un diálogo de besugos, hasta llegar al límite del absurdo, rayando en lo cómico.

La intención del director es mostrar al mundo la patética, desproporcionada, cansina e insistente metodología aplicada por una policía represiva de su país, de dudosa integridad moral y escasacapacidad intelectual, para conseguir amedrentar a la población con coactivos interrogatorios que consiguen mermar la capacidad de resistencia física, mental y emocional del interrogado y hacerle confesar lo que se propongan.

En este caso se demuestra que es el interrogado, el que controla la situación y quien por puro interés, decide poner fin a la situación, cuando cree que queda demostrada su tesis.

Al acabar el documental, durante los créditos se nos cuenta con imágenes y texto la razón que llevó a los protagonistas a emprender ese viaje y las sospechas de la policía sobre su implicación con los activistas.

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IRISH FOLK FURNITURE. Tony Donoghue
Irlanda. 2012. 8 min.

Un cortometraje de factura estética impecable en el que viejos objetos desahuciados cobran una nueva vida gracias a su restauración y a la técnica del stop-motion.

Una producción muy laboriosa, que ha durado tres años, porque primero hubo que restaurar los dieciséis objetos (harineros, puertas, dos sillas, baúles, aparadores, etc.) que aparecen en el cortometraje, tarea que asumieron los propios granjeros, vecinos del realizador, cuando terminaban sus tareas cotidianas.

Ganador en Sundance 2013 del Premio al mejor corto de animación, esta amena, ágil e híbrida producción irlandesa que mezcla, creación, documental y animación es una apuesta por la tradición, la naturaleza y su armonía con los valores que hoy reclama la ecología. Es irónico, confiesa el director, hablar tanto actualmente de ecología e incluso estudiarla en la universidad, cuando estos sencillos granjeros que desconocen, incluso el término, la viven y practican cada día, con naturalidad.

La producción es presentada, humildemente, por el cineasta como un divertimento, una recuperación del cine híbrido y creativo de los pioneros vanguardistas (surrealistas, dadaístas, etc.) que olvidado durante décadas hoy parecen estar rescatando las nuevas tendencias cinematográficas.

Bellos paisajes, encuadres y composiciones muy plásticas, viejos objetos desahuciados que recuperan su esplendor pasado e incluso mejoran… Bajo este juego lúdico tan divertido, creativo y aparentemente ingenuo, subyacen lecturas más profundas, como la importancia de recuperar el legado del pasado, de darle la importancia que se merece e incorporarlo a nuestra vida presente, de hacerlos convivir en armonía, de compatibilizar tiempos y recursos… ahora más que nunca en que la modernidad agoniza, presa de sus propias trampas.

LA STRADA DI RAFFAEL – RAFFAEL’S WAY / EL CAMINO DE RAFAEL. Alessandro Falco
Italia/España. 2013. 24 min.

Segundo cortometraje, producido por el Grup Cinema Art del CECC, de este director napolitano licenciado en Relaciones Internacionales que ha estudiado cine, durante varios años, en Barcelona, en el Centro de Estudios Cinematográficos de Cataluña, colaborando con directores como Ixaki Lacuesta, Xavi Puebla, Manel Almiñana y otros. Después del éxito conseguido por Vicenzo (2010), el CEEC ha apoyado este proyecto de docu-ficción, rodado de nuevo en Nápoles.

Falco confiesa su interés por la infancia y el proceso de filmar con niños, porque aunque actúan siempre, cree que aportan mucho de su propia vida a la actuación.

El documental cuenta la historia de Raffael, un niño de trece años que vive con su abuela, Anna, en un piso ocupado ilegalmente, a las afueras de Nápoles. Están a punto de desahuciarlos, su madre está hospitalizada y el niño la echa de menos, apenas tienen para comer… pero a pesar de todo Anna intenta, en su afán de protección, que su nieto viva ajeno a la realidad. Raffael y su amigo Adama, -un niño inmigrante, inadaptado, de mirada ausente, que vive solo, ganándose la vida en la calle vendiendo cigarrillos-, comparten su tiempo, pero no sus sueños. Mientras Adama ha iniciado un camino sin retorno hacia la delincuencia, Raffael aún aspira a tocar en la fiesta del pueblo y sueña con tener algún día una casa propia, con jardín, en la que vivir junto a su madre.

Estructura narrativa no lineal, que juega con el tiempo, alternando fragmentos de la vida de Raffael (en la clase de música, comiendo con su abuela, vagabundeando por las calles con Adama…); un desorden narrativo que alude de forma significativa a ese camino del título, que se prevé no demasiado recto y en el que la utilización de la cámara en mano abunda en este incierto trayecto.

Imposible obviar la influencia neorrealista en esta docu-ficción, como la denomina el propio realizador, basada en la realidad pero en la que algunas escenas son recreaciones. Raffael contaba cosas y luego se contradecía, otras se las inventaba o reaccionaba de manera espontánea, como cuando pinta una casa con tiza en el suelo, nos cuenta Falco. Eso obligaba a que la película se fuera construyendo adaptándose a sus reacciones. Una mezcla de realidad y ficción en la que el duro y triste presente (la marginalidad, los desahucios, la pobreza…) se impone con una punzante ternura.

OBOZ / CAMP. Tomasz Jezionski
Polonia. 2012. 19 min.

Un grupo de niños de entre 9 y 17 años, son enviados por sus padres a un campamento de adelgazamiento para que aprendan a controlar su apetito y pierdan peso.

La obesidad infantil es un tema con el que la población del primer mundo está muy sensibilizada actualmente, debido a los malos hábitos alimenticios adquiridos en esta etapa de la vida. La solución no pasa, seguramente, por curas de adelgazamiento en campamentos con una rígida disciplina, pero muchos padres, incapaces de controlar la situación están delegando en estas instituciones una tarea que debe empezar en el propio hogar. Los malos hábitos adquiridos, durante años, no pueden cambiarse en un período tan corto de tiempo.

El campamento que nos ofrece al cortometraje es una demostración de esta tesis, dura disciplina, ejercicio físico hasta la extenuación y un severo control de la alimentación, que  muchos de los niños son incapaces de cumplir y que a la larga no resultan nada efectivos.

Se ha intentado dar una visión objetiva de la situación, con un montaje dinámico que alterna confesiones de los niños, filmaciones de las duras sesiones de ejercicio físico, comidas reglamentarias, llantos, reprimendas, etc.

Algunas escenas provocan hilaridad,  a pesar de los testimonios dolorosos de unos niños que se confiesan incapaces de afrontar su adición a la comida o que se sienten discriminados fuera y dentro del campamento, otras incredulidad… y es que si la película no fuera un documental, la existencia de una institución como ésta nos parecería un disparate de ficción.

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Breve conclusión

Este pequeña selección de cortometrajes nos ha ofrecido una panoplia de temáticas y tratamientos que nos han permitido, desde una butaca, sensibilizarnos con realidades de distintos rincones del mundo, unas más complacientes que otras, desde focalizaciones íntimas, críticas, personales, reivindicativas, informativas, entretenidas, irónicas… surgidas todas ellas de la necesidad de sus autores de utilizar el cine como vía de expiación, expresión, comunicación, información…o creación, que de todo ha habido.

Para los enamorados del género documental, de hace ya muchos años, cuando éste jugaba a la confusión de los contrarios, al juego conceptual y creativo, hasta el creciente repunte que ha tenido en los últimos años con propuestas experimentales que a la larga se han consolidado, revitalizándolo, en esta edición pueden haber encontrado cierto estancamiento intelectual, falta de innovación y carencia de vigor…todo ello a pesar del buen nivel general de las obras exhibidas y del impacto emocional producido por alguna de ellas.

Por último, agradecer a los directores de algunas producciones las charlas que han mantenido con los espectadores al finalizar las distintas sesiones. La escasa información proporcionada por el festival a la prensa este año sobre los cortometrajes proyectados, sus autores, opiniones, etc. se ha visto compensada, en parte, por la comparecencia de algunos de ellos, que al finalizar cada sesión se sometían a las preguntas del público, aportando  información siempre valiosa sobre ellos, sus obras y el proceso de creación de las mismas.

Escribe Purilia

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