DocumentaMadrid 15 (3): Sección Oficial Cortometrajes

  05 Junio 2015

 

El aliento de la realidad

doc-el-enamigoMarcel Duchamp encapsuló en una pequeña ampolla de vidrio el aire de Paris y la selló para siempre conservando en su interior la esencia de una ciudad, e incluso, mucho más, su aliento vital. Era un regalo para su amigo y mecenas Walter Arensberg.

Cada cortometrajista en su intento por capturar lo real encierra en los escasos minutos que dura su película soplos de vida, pensamiento o creación, capturados en cualquier parte del mundo para regalárselos a cualquier espectador que quiera contemplarlos.

Aunque las aquí mostradas son todas películas sobre lo real, la manera de abordarlo pasa por la experimentación, la animación e incluso el coqueteo con la ficción, en cada vez, más casos. Una hibridación que ha aportado al género innovación y creatividad. 

Fragmentos de cine esencial e inquieto que rescata lugares, personajes o acontecimientos curiosos, desconocidos, olvidados, perdidos… depositando su mirada sobre realidades espontáneas, vividas, pensadas o creadas de imprescindible visibilidad.

No están todas, pero casi. 

El enemigo
Aldemar Matias. 2015. Cuba. 26 min.

Fumigar al enemigo es el objetivo. El enemigo es el mosquito del dengue y Mayelín una empleada del servicio de salud cubano que lucha por erradicarlo.

Un documental sobre las estructuras de poder en el que la protagonista tiene que lidiar con su jefa, con los empleados a su cargo y con los ciudadanos que se niegan a pagar las multas impuestas.  

El documental es la tesis de graduación del director brasileño en la escuela de San Antonio de los Baños de Cuba. Su intención era tratar un tema muy cubano y se encontró con los protagonistas de forma casual mientras buscaba un fumigador, que era su objetivo inicial.

Con espontaneidad y descaro, consigue un documento muy naturalista en el que la cámara se cuela en el quehacer diario de este servicio que se encarga de detectar los focos infecciosos, multar a los ciudadanos implicados y fumigar, fumigar y fumigar hasta que todo desaparezca bajo una gran nube blanca.

Según contó el director, en su presentación en el festival, tratar estos temas no está bien visto en Cuba, sin embargo, el corto gustó a los implicados, cuyas únicas quejas derivaron, al parecer, hacia aspectos insustanciales.

Hotel 22
Elizabeth Lo. 2014. Estados Unidos. 9 min.

Este pequeño y pulcro cortometraje de apenas diez minutos es un testimonio más del desajustado mundo en el que vivimos, un espacio compartido pero en el que las diferencias son tan abismales que aún recorriendo el mismo trayecto nunca nos llegamos a encontrar. 

Eso es lo que ocurre en los autobuses de la línea 22 de Sillicon Valley, la única que realiza ese recorrido durante 24 horas. Riqueza y pobreza extremas conviven en ese reducido espacio sin coincidir nunca en el tiempo. Por la noche los desahuciados del sistema (mendigos, negros, viejos…) descansan, comen (aunque está prohibido) y duermen al resguardo (de ahí el nombre con el que se le conoce a la línea: “Hotel 22”); por el día los pulcros viajeros descansados que van a sus quehaceres.

doc-hotel

10
Marta Jurkiewicz. 2014. Países Bajos. 29 min.

Este interesante documental estructurado narrativa y dramáticamente en torno al número 10, más como concepto que como número, es una propuesta experimental sobre los ciclos de la vida, que busca y encuentra nuevas formas de contar.

Diez protagonistas, de ente uno y cien años y diez décadas que conforman un siglo de experiencias humanas vitales… conforman este estupendo documento existencial y sensible que habla de la filosofía de la vida de una forma creativa y conceptual. 

German Shepherd
Nils Bergendal. 2014. Suecia. 10 min.

Pocos trazos y mucha expresividad para contar en off la historia de David, un americano de origen judío cuya visión negativa de Alemania está influenciada por la opinión de su madre, una superviviente del Holocausto.

Cortometraje de animación realizado con una gran sutileza creativa a partir de  algunas fotografías, dibujos elementales (simples trazos o siluetas) y pocos tonos (domina el gris, que a veces inunda la texturada pantalla) que contrasta con la profunda reflexión que propone. La disociación que existe entre forma y contenido está provocada por el desajuste emocional del protagonista respecto al tema que trata.

El corto propone a la vez una reflexión sobre la condición humana y sobre la capacidad del hombre para reponerse del miedo y del sentimiento de culpa, superar el odio y contemplar el perdón como vía de sanación necesaria.

David Paul es el personaje real que sirvió de inspiración al director. A partir de una entrevista entre ambos en la que David le habló de su conflicto interno al respecto, Nils Bergendal decidió contar su historia de forma introspectiva para ayudarle a superar un malestar encastrado desde la infancia.  

El director pensó primero —según contó en la presentación del corto en el festival, donde acudió en compañía del protagonista— en realizarlo a base de fotografías (él es fotógrafo) de la familia de David pero después le pareció monótono y decidió implicarse en el proceso creativo de las imágenes. Eso le llevó mucho tiempo aunque parece ser que ambos —realizador y retratado— valoran la experiencia positivamente   tanto por el resultado cinematográfico conseguido como por la capacidad catártica que ha tenido para el protagonista, ayudándole a superar su obsesión.

doc-german-shepherd

Miejsce (The Place)
Julia Poplawska. 2015. Polonia, 15 min.

Imagen y sonido son el texto y el pretexto del argumento de este estético cortometraje rodado en una estación metereológica de Polonia que funciona desde hace casi ochenta años (desde 1938 a la actualidad). La soledad, el silencio y la oscuridad conspiran con la noche, la nieve o el cielo… para hacer de ese lugar alto, frío e inhóspito, donde se desarrolla un trabajo rutinario, un lugar suspendido en el espacio y el tiempo.

Inspirado en el cine de ciencia-ficción, es un trabajo que se asienta en la fuerza visual de las imágenes, obra del fotógrafo Grzegorz  Harfield, el cual asistió a la presentación del cortometraje en Madrid, que confirmó su compenetración conceptual con la directora a la hora de elaborarlas.

Trabajando a partir de las mismas ideas, juntos han conseguido transformar aquel sitio perdido especial en un lugar con entidad propia, inquietante y enigmático, creando una atmósfera sensorial y plástica de gran belleza e intensidad cromática y emocional, con encuadres arriesgados y manieristas en armoniosa connivencia con la misteriosa banda sonora en la que se incardinan.

Santa Cruz del Islote
Luke Lorentzen. 2014. EE. UU. 19 min.

Seiscientos habitantes viven en apenas una hectárea de superficie en medio del mar en esta isla situada a cincuenta millas de la costa de Cartagena (Colombia). Un lugar, como poco curioso, abigarrado de casas de colores que casi se desbordan de su superficie.

Obra de autor (que se encarga de todas las tareas excepto la música) que explora la vida cotidiana de los habitantes de la isla de manera visual.

La historia se centra en un pescador y su hijo de diez años, aplicándose en sus tareas de pesca, sin dejarse intimidar por la cámara, que sigue de cerca sus acciones y expresiones con planos fijos y encuadres cerrados. Un ejemplo de la desesperación de una población que en el pasado conoció la prosperidad de un floreciente desarrollo pesquero hoy a punto de extinguirse.

doc-santa-cruz

Un Royaume Déménage (Once upon a Kingdown)
Rafael J. Dostie y Terence Chotard. 2014. Canadá. 19 min.

Érase una vez un reino es la fábula documental de un antiguo convento desmantelado en el que la memoria de las Hermanas de Santa Juana de Arco en Quebec perdurará para siempre bajo la gran lápida-monumento erigida en su cementerio. Un recordatorio aglutinador que las recordará cuando trasladen su congregación a un lugar más accesible.

Primer cortometraje codirigido por dos jóvenes directores franco-quebequenses que empezaron a colaborar en 2011. Con una clara intención confesa de no diferenciar entre documental y ficción, en sus mentes “prima el lenguaje cinematográfico poético por encima de todo lo demás”.

Con esas premisas depositan su mirada nostálgica y próxima (primeros planos largos y sostenidos) sobre los rostros y manos de las monjas ya ancianas (muchas enfermas, moribundas o simplemente ausentes) que se despiden del lugar que ha acogido sus rezos y desvelos durante el último siglo. 

En un entorno silencioso, somos testigos del deterioro de esta congregación de clausura que se dispone a abandonar el centenario edificio fundado en 1914. Con la voz en off de sus plegarias a la virgen, composiciones místicas y naturales se yuxtaponen en un documento algo “desangelado” y artificial que no logra transmitir ninguna sensación o emoción visual, mística… o poética que era lo pretendido, al parecer.

Symbolic Threats
Mischa Leinkauf, Lutz Henke, Matthias Wermke. 2015. Alemania. 15 min.

El 22 de julio de 2014 dos banderas blancas americanas (decoloradas) aparecieron en Nueva York sobre el emblemático puente de Brooklyn sustituyendo a las dos banderas originales que normalmente ondeaban allí. El hecho disparó todas las alarmas en torno a la seguridad nacional de un país que se siente, desde siempre, permanentemente amenazado.

¿Acto de terrorismo, proyecto de arte, mensaje de patriotismo, de protesta, de rendición…? Todos los supuestos fueron considerados en los primeros momentos generando desconcierto y alarma en los cuerpos de seguridad del Estado y en los responsables políticos, especialmente, que los medios de comunicación se encargaron de difundir.

La intervención artística y conceptual que consiguió desquiciar a América durante unas horas de incertidumbre fue asumida por los artistas alemanes, autores de este corto, cuyo trabajo consiste en intervenir en los entornos urbanos explorando las nuevas posibilidades y significados que la ciudad ofrece.

La acción en sí misma y el cortometraje como altavoz proponen una profunda reflexión sobre la trascendencia social del arte en la actualidad y la idoneidad de sus códigos cuando actúa de forma insólita y provocadora sobre los espacios públicos y sus símbolos. 

Con un montaje dinámico, mordaz y divertido —yuxtaponiendo imágenes y fragmentos de declaraciones de políticos, opiniones de ciudadanos e interpretaciones de los propios periodistas— los autores diseccionan aquel acontecimiento, analizan su repercusión y revelan la paranoia que desencadenó su intervención artística cuando aún se cuestionaba si lo era o, precisamente, a pesar de ello.

doc-symbolic

Savupiippu (White chimney)
Jani Peltonen. 2014. Finlandia. 24 min.

Una película con la que resulta difícil conectar, pero fascinante para cualquier cinéfilo. El autor, que confesó serlo, sigue las huellas de una prometedora actriz finlandesa de diecinueve años, Sirkka Sari, por la que se interesó a partir del visionado de una película suya que encontró por casualidad.

En el parque forestal de Aulanko, en 1938 el hotel de lujo del mismo nombre abría sus puertas en un espacio que el hombre sustrajo a la naturaleza. Se convirtió en un lugar de moda y en el verano de 1939 Sirkka y parte del equipo de su tercera película celebraron allí una fiesta. Subió al tejado del hotel donde había una chimenea blanca. Su cuerpo cayó por ella y murió en el acto. ¿Homicidio?, ¿accidente?, ¿suicidio?  

Hoy el hotel se ha adaptado a los tiempos y Aulanko ha perdido el significado que tuvo en los años treinta, pero no su misterio. Su entorno natural es ahora un lugar donde se reúnen muchos grupos de jóvenes para celebrar sus fiestas nocturnas.

Utilizando a la actriz como hilo conductor y mezclando imágenes cinematográficas y de archivo con entrevistas a paisanos del lugar y otras improvisaciones, el autor reflexiona sobre el pasado y el presente de su país (“Aulanko es un símbolo de un país joven que evolucionó” —dijo el director—), la juventud, el misterio y la inmortalidad de la imagen cinematográfica y de sus mitos.

The face of Ukranie: casting Oksana Baiul
Kitti Green. 2014. Australia-Ucrania. 7min.

Oksana Baiul fue campeona en los Juegos Olímpicos de invierno de 1994 en la modalidad de patinaje artístico femenino. Su impecable ejercicio de perfecta ejecución  y sus espontáneas lágrimas de emoción al acabarlo, convirtieron a esta joven ucraniana, de tan solo 17 años, en un símbolo de unidad nacional.

Hoy veinte años después, en un país dividido y devastado por la guerra, ella es el pretexto de este pequeño documento que reúne, en torno a su legado, a cientos de niñas —peinadas, maquilladas y vestidas como ella en aquella ocasión— de todo el país, que aspiran a interpretarla.

Planos fijos del casting en el que las niñas hablan de sus sueños y proyectos, lloran y ríen emulando a su famosa compatriota son la excusa para argumentar esta simbólica reflexión sobre un país joven que ha perdido aquella emoción espontánea que un día, no tan lejano, compartieron todos sus ciudadanos.

doc-casting

Razgovor (The conversation)
Anastasia Novikova. 2015. Rusia. 22 min.

Valentin Stepanovich es un anciano solitario, antiguo cortador de turba, que vive aislado en una casa destartalada, sin agua, luz ni calefacción. Pasa los días pendiente del teléfono mientras espera el regreso de su mujer enferma, a la que echa mucho de menos.

Primera obra de una jovencísima autora que quería trabajar sobre lugares muertos o abandonados y encontró en este anciano reacio a las cámaras, el motivo de su proyecto.

La película se demora en la contemplación del personaje y recorre pausadamente las cosas que le rodean recreándose con minuciosidad en los pequeños detalles que conforman su existencia. Con una realización pulcra y cuidada, encuadres precisos, sonido directo, ritmo demorado e imágenes de gran resolución se ofrece un enfoque muy naturalista y profundo del alma humana.

Broken Branches
Ayala Ben-Nachun Sharot. 2014. Israel. 26 min.

Creativo documental, mezcla de animación e imagen real, que cuenta la historia de Michal Rechter, una niña que a los 14 años fue enviada por sus padres a Israel desde Polonia con el objetivo de reunirse con ella después. La segunda guerra mundial truncó el proyecto y la familia nunca más volvió a juntarse.

Hoy ya anciana Michal recorre los episodios más importantes del álbum de su vida con nostalgia y emoción. En sus páginas cobran vida algunas de las figuras de su pasado como sus seres queridos y otras reminiscencias de una época infausta para ella, su pueblo y la historia de la humanidad.

Contada como si fuera un cuento, con ironía, música y un montaje absorbente lleno de mágicas y metafóricas composiciones, la autora crea un hermoso documento, en la forma y en el fondo, salpicado de humor, sensibilidad e imaginación a través de fotos, grabaciones de la época… y nuevas creaciones plásticas (de distintos estilos conviviendo en armonía imágenes expresionistas en blanco en negro con coloristas composiciones chagallianas) llenas de creatividad y emoción.

doc-broken-branches

Comala, Comala
Fran Ruvira. 2015. Francia-España,  11 min.

Un hijo vuelve a Comala en vez de su madre, buscando a su padre, Pedro Páramo. Su voz en off es la del personaje de la novela de Juan Rulfo que inmediatamente deviene en la del propio autor preguntando a los paisanos del lugar por él.

Este proyecto documental, que parte de un juego que introduce un elemento de ficción (literaria) en un contexto real, surge de forma espontánea, según el autor, a partir de la confluencia de varios elementos casuales.

Una residencia artística en un pueblo de la zona, de donde procede su familia paterna, el hallazgo de un pueblo de Murcia, de nombre similar al de la novela de Rulfo y su obsesión por el libro fueron la excusa creativa del director para adentrarse en la búsqueda de las huellas de Pedro Páramo, como si del alter ego de su propio hijo se tratara.

La Comala literaria, inventada por Rulfo, y la real, encontrada por Ruvira, confluyen en este relato homenaje mezclando sonoridades en un paisaje vacío de gentes donde la muerte, la memoria y el pasado y sus fantasmas reaparecen como voces en lugar de presencias.

Sonda o mężczyznach (Survvey about men)
Matheus Glowasky. 2014. Polonia. 30 min.

Un grupo de mujeres polacas jóvenes, activas e inteligentes ofrecen su visión sobre los hombres contestando a un cuestionario inducido de siete preguntas en las que se abordan todo tipo de cuestiones sobre las relaciones de pareja y la incapacidad del sexo masculino para explorar la mente femenina.

Este documental es el reverso de otro anterior del autor en el que eran los hombres los que opinaban sobre las mujeres. Con una estructura capitular que coincide con las siete cuestiones planteadas mujeres de diferentes profesiones —médico, profesora, artista, gimnasta, actriz, escritora…— ofrecen una amplia representación de la mujer polaca. Aunque son estereotipos de mujer no mujeres reales, como todos los estereotipos algo tiene de verdad, opinaba una de las protagonistas, asistente a la presentación de la película en Madrid.

El resultado es entretenido pero tópico. Una pretendida introspección/investigación sociológica que, como siempre ocurre con este tipo de temas, resulta más pintoresca que seria.

doc-un-royaume

Conclusiones  

Han competido en esta sección 19 cortometrajes de catorce nacionalidades diferentes —Francia, España, Países Bajos, Rusia, Polonia, Israel, Canadá, Cuba, Suecia, Estados Unidos, Alemania, Finlandia, Australia y Ucrania— agrupados en cuatro bloques, que se han exhibido primero en la sala Plató en los estrenos, a los que han asistido los representantes de las películas proyectadas con el consiguiente coloquio posterior, y en la sala Borau, que este año ha ganado sensiblemente en comodidad, al día siguiente.

La calidad de las películas exhibidas no es todo lo excelente que cabía esperar después de pasar tantos filtros selectivos. Ninguna ha merecido el nivel de sobresaliente en la apreciación del público (algo que sí ha logrado la competición de largometrajes donde, además, ninguna ha bajado de la estimación de notable), aunque dos lo han rozado: la cubana El enemigo y la estadounidense Symbolic Threats, dos películas con un enfoque humorístico e irónico que cuestionan dos modelos de sociedad antagónicos. Dos temas y dos formas de contar que conectaron fácilmente con todos los espectadores. La primera ha alcanzado el primer premio del jurado y la segunda el premio del público.

Otras seis, además de éstas dos, se han instalado en el notable, entre ellas la única película española a concurso, la muy interesante Comala, Comala, y nueve no superan la franja media, que ha sido la tónica general. Aunque disentimos en algunas apreciaciones.

Sin embargo, los temas de superación siempre conmueven como ha sido el caso de la polaca Punkt Wyjscia (Starting point) de Michał Szcześniak —mención especial del jurado y la tercera preferida de la audiencia—, la historia de una joven condenada por asesinato que se redime cuidando a una anciana enferma mientras cumple condena.

Las películas más conceptuales, que suelen ser las más gratificantes a nivel creativo, no siempre atrapan al público; por eso algunas de ellas suspenden en su apreciación como la sueca Moments of silence, un homenaje mudo al dolor, o la canadiense Un royaume déménage, cuya pretensión poética se resiste.

O no alcanzan la puntuación que debieran, como la experimental 10, una excelente propuesta que ha conseguido el segundo premio del jurado; The conversation, una película sensible y contemplativa que ha conseguido el premio especial del jurado; o la estética Miejsce (The place), que aunque se va sin premios, se los merece.

Felicidades a los premiados y a los que no, y gracias a todos los autores por seguir encapsulando el aliento de la realidad y permitirnos respirarlo en pequeñas dosis.

Escribe Purilia

documenta-madrid-banner