Alcine, 40 Festival de Cine de Alcalá (6): Certamen nacional de cortos
El cortometrajista, genio y figura
De nuevo los cortometrajistas españoles se citan en Alcine para competir, en la sección nacional del concurso, por el premio Ciudad de Alcalá. Las treinta y nueve películas presentadas, de las cuatro categorías admitidas (ficción, documental, experimental y animación) se han proyectado repartidas en seis programas de duración no superior a los noventa minutos.
Este año el festival rinde homenaje a la figura del cortometrajista, convirtiéndolo en la imagen del festival (carteles, tarjetas, portadas…). Ellos/ellas (a los que se dedican algunos epítetos como: ausente, absorto/a, enajenado/a, meditabundo/a, pensativo/a…) forman parte de la realidad de nuestro cine.
Nos gusta el cortometraje, y mucho, lo afirmamos con insistencia, siempre que podemos, porque no hay muchas ocasiones para hacerlo. En España hay muchos y buenos cortometrajistas, algunos excelentes y un puñado, eximios y aunque ya han demostrado suficientemente su talento en este campo, con una obra amplia, continuada y sólida, a ellos les gustaría empezar a ser largometrajistas, para entrar en una categoría superior.
Sin duda se lo merecen y desde aquí les animamos a que no decaigan en su empeño, pero que si no lo consiguen sigan demostrando que la categoría y la cualidad de director de cine no se mide por la longitud de sus películas sino por la calidad y autenticidad de las mismas.
La piñata (2009). Manuel Arija de
Un mimo callejero y un grupo de gente que le observa. Se incorpora un nuevo espectador y se desencadena la sorpresa.
Un corto inhumano, como lo define su propio realizador (y reza el subtítulo del mismo), cuya pretensión es “provocar una reflexión sobre la crueldad humana desde la risa”. Realizado en B/N, con pocos recursos (300 euros, cámara en mano, mudo y tres minutos de tope) en “
Una cullera a la butxaca / Una cuchara en el bolsillo (2010). Mireia Ibars.
Siguiendo el rastro de una cuchara que su abuelo llevaba encima cuando desapareció en la batalla del Ebro setenta años atrás, la realizadora llega a un descubrimiento insólito.
“Cuando rodamos la recogida de huesos de la batalla del Ebro supimos que la razón de nuestra película era llegar hasta allí”. Documental en el que la autora intenta reconstruir la personalidad e identidad de su abuelo desaparecido, el recorrido ideológico de su pensamiento y los hechos de aquellos años a través del testimonio de los miembros de su familia: abuela, padres, tíos, etc.
Puerta 6 (2010). Avelina Prat García.
Un hombre observa a las personas que le rodean sentado en un banco. Un día decide seguir a un hombre e imitarle en todo: se instala en su edificio, en un piso similar, copia su forma de vestir, sus ademanes, su trabajo, su manera de relacionarse… hasta que el hombre imitado, un día, inesperadamente, desaparece y le deja de nuevo sin referencias.
Métafora sobre la dificultad del hombre actual para definirse y encontrarse a sí mismo en una sociedad llena de arquetipos y de modelos establecidos que incita a la uniformidad. Según la directora “Una historia sencilla sobre la búsqueda de la identidad, sobre la imitación como forma de supervivencia y el intento de adaptación a lo que nos rodea”.
Vértigo 50 (2009). José Cabrera Betancort.
Diario de viaje vacacional, filmado en San Francisco, en el que se mezclan planos célebres de la película de Hitchcock con imágenes filmadas por el autor durante el recorrido por esos lugares emblemáticos del filme, intentando respetar el punto de vista de los mismos.
Un viaje de vacaciones y el cincuenta aniversario de Vértigo son el pretexto que llevan al autor a filmar lo que él llama “una experiencia vital primermundista” con la que pretende crear los recuerdos, rendir un homenaje a Chris Marker y servir de regalo para la protagonista, mezclando en la pantalla ficción y realidad en una superposición de sensaciones y emociones “que roza la pornografía sentimental”.
Homeland (2009).
Un tejedor incansable en su intento por conseguir una meta imposible.
Cortometraje de animación tradicional hecho a lápiz sobre papel, con dibujos sencillos y sin aditamentos (color, contraste o textura) que perturben el mensaje transmitido y que el autor ha definido como “un canto al amor incondicional y al punto de cruz”.
El extraño (2009). Victor Moreno.
Un rebaño de cabras se dirige hacía la cámara y se para justo delante de ella mirando al espectador que a su vez también las observa.
Un desafío y un juego del realizador que cuestiona la posición del espectador actual. “La idea es convertir la pantalla en el cristal de un escaparate en el cual nosotros estamos expuestos”. Con un único plano, nos invita a posicionarnos ante la pantalla con la ingenuidad que lo hacía el espectador que observaba las primeras películas de los Lumiére.
Miedo (2010). Jaume Balagueró.
Una pareja discute. Él le recrimina que se marche el fin de semana con unos amigos que se niega a presentarle, ella defiende su acuerdo de libertad al respecto. El chico sale a tomar una copa solo, y para desquitarse liga con una chica y se la lleva a casa. A partir de ese momento la situación se complica, se desquicia y se convierte en una pesadilla.
Miedo es el resultado de la segunda edición de
Estrenada en el festival Open Air de Madrid este verano, la versión presentada en Alcalá ha reducido su metraje a diez minutos sobre los veinticinco (siete de los cuales estaban dedicados a los créditos de los codirectores) que duraba el proyecto original.
Estar aquí (2009). Silvia González Laá.
Sofía asiste al cumpleaños de su hija Noa, pero la niña le reprocha que no estuviera el año anterior; desconoce que su madre ha estado internada en un centro de desintoxicación. Abatida por su continuo rechazo, Sofía se hunde. La conversación con otra madre la animará a no renunciar al cariño de su hija y a buscar su aceptación a través de la sinceridad.
Una “historia verdadera” como la ha definido su autora, emotiva, sencilla y bien interpretada, que pretende hablar de las cosas “que pasan cada día en la vida de personas reales de familias reales” abordándolas de una “forma muy directa y sin concesiones formales ni artificios técnicos”.
El pabellón alemán (2009).
Los Reyes de España inauguraron, el 29 de mayo de 1929, el pabellón nacional de Alemania, construido por el arquitecto Mies van der Rohe para
Las actitudes, poses y expresiones de los asistentes (personalidades, guardaespaldas, camareros, etc.), recogidas en aquellas instantáneas, son observadas y analizadas con escrutadora, estética y suspicaz mirada creando una inquietante y misteriosa atmósfera de sospechosas sugerencias.
Excelente ejercicio de creatividad en el que ficción y realidad difuminan sus contornos convirtiendo aquella realidad en posible ficción aunque sospechemos que ésta pueda estar realmente fundada.
Ahate pasa / El pase de patos (2009). Koldo Almandoz.
Los patos están contentos. Por fin alguien se acuerda de ellos y de su contribución a la historia del cine.
Ficción documental lúdica, creativa e inteligente en la que a través de un guión ágil, documentado y manipulado se construye la peripecia cinematográfica de los pases de patos en películas memorables de la historia del cine desde el mudo hasta la actualidad: Gus Visser and her singer duck (1924), El circo (1928) de Chaplin, Jour de féte (1944) de J. Tati, Chinatown (1974) de R. Polanki, Los duelistas (1977) de R. Scott, Días del cielo (1978) de T. Malik, La marrana (1992) de J. L. Cuerda, Five (2003) de A. Kiarostami…
Incluye además declaraciones de directores que han trabajado con ellos y están encantados con su participación, como Michael Winterbottom, David Fincher, Emir Kusturica, José Luis Cuerda, Roman Polanski… complementadas con la de algún crítico de cine, un entrenador de patos, etc.
Tacones (2009). Benjamín Villaverde Terrón.
Un hombre vive solo en un piso casi deshabitado. Un día escucha el repiqueteo de unos tacones en el piso de arriba. A partir de ese momento su vida solitaria se va acomodando al sonido de esos tacones y a las acciones de la persona que los lleva. Pero de improviso, ese sonido, se desplaza, un día, hasta su puerta reclamando su ayuda.
Video casero (que según su autor costó veinticinco euros) que demuestra que con los mínimos elementos, (un solo personaje, planos fijos, sin diálogos, potenciando el fuera de campo, una decoración minimal, la iluminación de una estufa…), pero rentabilizándolos con mucho talento se puede construir una historia sencilla pero muy efectiva.
La película es una reflexión muy lúcida sobre la soledad, la facilidad de los seres solitarios para construirse una vida artificial a partir “de los ruidos de otros seres para sentirse acompañados y suplir sentimientos”, y de su incapacidad para romper la invisibilidad que les une y les separa del otro.
Interiorismo (2009). Chema G. Araque y Hernán Talavera.
El lento proceso que conduce a la muerte se personifica en la figura hoy decrépita de un lujoso palacio construido a principios del siglo XX.
El abandonado palacio de los Gosálvez, situado en el límite entre las provincias de Cuenca y Albacete, en Villalgordo del Júcar, es el pretexto creativo y sentimental que los autores han elegido para filmar el retrato poético de su inanición. “El cadáver de un palacio en ruinas se convierte en su propio mausoleo”.
Documental experimental, realizado en B/N, sobre el lento declinar de un edificio moribundo. La cámara convertida en testigo de su silenciosa agonía captura su esencia inmortal a través de sobrios encuadres naturalistas. En ellos aflora la decadencia y el abandono y subyace el alma de su pasado esplendor, la presentida presencia de antiguos moradores…
Una metáfora estética, poética y sentimental sobre la persistencia de la belleza en la decadencia y la pervivencia del espíritu entre las ruinas del olvido.
Te quiero (2009). Sergi Portabella.
Un “te quiero” dicho en un momento inoportuno puede complicar inesperadamente la relación de una pareja.
Cortometraje de bajo presupuesto “no por obligación sino por vocación”, donde a “través de una sencilla situación cómica” se cuenta la historia de una pareja con los mínimos elementos posibles.
Immersió /Inmersión (2009). Neus Ballus Montserrat.
Personas de todas las edades y condiciones, con muy distinta motivación e intencionalidad, se sumergen en las cálidas aguas de una piscina de barrio.
Película rodada íntegramente bajo el agua en la que vemos cómo cuerpos jóvenes y maduros, torpes y ágiles, hermosos y decrépitos, se desenvuelven en un medio que no es el suyo.
Según la autora, la idea surgió “mirando los nadadores de una piscina por debajo del agua” y de su descubrimiento del contraste que el cuerpo humano experimenta cuando está en tierra o se encuentra sumergido. “En el agua los cuerpos flotan, se pueden mover en cualquier dirección y muchas veces parecen tortugas, delfines o ranas en lugar de personas”.
Morir cada día (2010). Aitor Echeverría Molinero.
Los miembros de una familia —padre, madre, dos hijas y el abuelo— se sientan a la mesa para cenar. Pero Blanca, la hija menor, no puede soportar la patina de normalidad que se pretende transmitir y explota.
Acostumbrado a sus proyectos de videodanzas, donde la imagen era el soporte expresivo fundamental y “la narración se construía a través del movimiento de los personajes y el uso del montaje”, el director cambia de registro con este trabajo en el que toda la tensión emocional radica en la fuerza de la palabra.
Crudo retrato de la descomposición de una familia, unida por la superficialidad de lo cotidiano, la falta de comunicación y la negación a admitir la existencia de problemas de los que está prohibido hablar.
Exlibris (2009). María Trenor.
Personas diferentes en lugares diferentes y en épocas diferentes pueden tocar, leer y sentir con un mismo libro. Poema visual que rinde homenaje a los libros antiguos, a las viejas librerías y al placer de leer a través de un ejemplar de El Quijote.
Exlibris es un proyecto experimental, ambicioso y técnicamente muy complicado (rodado con técnica de stop-motion, con personas reales, animación por ordenador, pixilización, etc.), que según la realizadora ha valido mucho la pena por distintas razones.
El cortometraje es una creativa y estética composición, deudora de la magia y fascinación de los pioneros (Méliès, Segundo de Chomón…) y sus magníficos trucos de animación.
360º (2009). Maja Djokic.
Una mujer sale de casa y ya en la calle un hombre la sigue, le roba la cartera, ella se da cuenta, le sigue a él, le alcanza y se enzarzan en una pelea, sobre el asfalto, que acaba en algo mucho más íntimo.
Historia circular, sin diálogos, que la directora ha definido como un thriller, en el que toda la fuerza expresiva y la tensión “tanto la criminal como la sexual, es expresada a través del trabajo gestual de los actores y el acompañamiento preciso de la cámara”.
Les bessones del carrer de ponent / Las gemelas de la calle poniente (2010). Marc Riba y Anna Solanas.
Dos viejas gemelas, Enriqueta y Ramoneta, raptan al pequeño
Los personajes de las gemelas están inspirados en Enriqueta Martí, conocida como la vampira de la calle Poniente, la asesina en serie y proxeneta de niños que conmocionó a
Cuento macabro, de animación con muñecos, realizado con la técnica stop-motion (pero con tecnología digital), campo en el que los autores llevan trabajando más de ocho años y con el que han producido títulos tan interesantes como premiados: El negro es el color de los dioses (nominado a los Goya 2003), Lupe y Bruno, Violeta la pescadora del mar negro y Cabaret Kadne (la historia de Otto y Lola que tuvimos ocasión de disfrutar hace dos años en Alcine).
Creadores artesanales, metódicos y muy profesionales, confiesan sentirse influenciados especialmente por la animación que se hacía en los países del Este y en la antigua Unión Soviética, aunque también les atraen los nuevos clásicos de la animación como Hayao Miyazaki o las producciones de Pixar.
Aunque defensores del cortometraje “como formato mismo y no como una preparación para hacer un largo”, convencidos del “gran potencial que tiene para contar historias”, siguen trabajando desde hace dos años en un largo de animación que aún no ha visto la luz.
Sinceridad (2010). Pablo Caballero.
Una pareja reanuda su relación después de once meses separados. Para que todo funcione mejor, en esta ocasión, deciden ser sinceros el uno con el otro y contarse todo lo que ha ocurrido durante su separación, especialmente las relaciones que cada uno ha mantenido con otras personas.
La sinceridad es el detonante de la catástrofe que se cierne sobre las relaciones de pareja cuando de sexualidad se trata. Ninguno de los componentes de esta pareja puede soportar la verdad del otro, sin sentirse herido y herir a su vez, con timidez primero y cruelmente después.
Breve conclusión
Esta mirada somera por algunas de las películas presentadas en el festival, nos ha permitido apreciar que el documental español está en alza, por la apabullante creatividad que esta desplegando, la animación brilla con distintos fulgores, innovadores y competentes y que la ficción, como ya comentáramos el año anterior sigue estancada, salvo contadas excepciones, en rutinas convencionales, sin encontrar fórmulas que empaticen con el espectador actual.
Escribe Purilia
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